Commissariat de Marie-Ange Brayer, commissaire associé Olivier Zeitoun
Scénographie de Jean-Baptiste Fastrez

Après avoir conçu l’exposition « Nouvelles vagues » au Cercle naval de Toulon en 2019, le Centre Pompidou présente l’exposition « Futurissimo . L’utopie du design italien ».
Cette nouvelle exposition s’inscrit dans la convention triennale de partenariat signée en 2019 entre le Centre Pompidou, la Villa Noailles et la Métropole Toulon Provence Méditerranée par laquelle le Centre Pompidou s’engage à concevoir chaque année - jusqu’en 2023 - une exposition de design à l’Hôtel des Arts à partir des oeuvres de sa collection.

 « Futurissimo. L’utopie du design italien » explore la place unique du design italien à travers un parcours à la fois chronologique et thématique, allant de l’entre-deux-guerres aux années 2000. Cette exposition interroge la singularité du design italien, issu d’une culture architecturale et des avant-gardes modernes, tel que le Futurisme au début du XXe siècle. Entre expérimentation et radicalisme, transcendant les oppositions entre industrie et artisanat, le design italien ouvre la voie à une autre approche de l’objet, au-delà du fonctionnalisme, renouvelant la relation avec l’environnement domestique et  architectural.

Après l’esthétique rationaliste (Pagano, Albini) des années 1930-1940, le design industriel italien connaît un succès international dès les années 1950 (Sottsass, Borsani, Colombo, Castiglioni, etc.). Laboratoire des grandes transformations sociales et politiques du XXe siècle, le design italien a toujours étendu son territoire de recherche à l’architecture et à la ville. Des utopies critiques portées par l’architecture radicale (Archizoom, Superstudio, Pettena, Ugo La Pietra) à la « réappropriation » des objets (Autoprogettazione d’Enzo Mari, « objets pauvres » de Riccardo Dalisi), le design italien s’ouvre à la « création collective » dans les années 1970.
Ces expérimentations viendront nourrir Studio Alchimia (Alessandro Guerriero, Alessandro Mendini) et Memphis, autour d’Ettore Sottsass, au début des années 1980. De l’« objet banal » au renouveau de la dimension décorative, les objets ordinaires se métamorphosent en objets iconoclastes, tandis qu’au même moment, le post-modernisme interroge les notions de signe et d’image dans leur rapport à l’histoire.

Après l’esthétique rationaliste (Pagano, Albini) des années 1930-1940, le design industriel italien connaît un succès international dès les années 1950 (Sottsass, Borsani, Colombo, Castiglioni, etc.). Laboratoire des grandes transformations sociales et politiques du XXe siècle, le design italien a toujours étendu son territoire de recherche à l’architecture et à la ville. Des utopies critiques portées par l’architecture radicale (Archizoom, Superstudio, Pettena, Ugo La Pietra) à la « réappropriation » des objets (Autoprogettazione d’Enzo Mari, « objets pauvres » de Riccardo Dalisi), le design italien s’ouvre à la « création collective » dans les années 1970.

Ces expérimentations viendront nourrir Studio Alchimia (Alessandro Guerriero, Alessandro Mendini) et Memphis, autour d’Ettore Sottsass, au début des années 1980. De l’« objet banal » au renouveau de la dimension décorative, les objets ordinaires se métamorphosent en objets iconoclastes, tandis qu’au même moment, le post-modernisme interroge les notions de signe et d’image dans leur rapport à l’histoire.

Le design italien se tient ainsi « au delà du design », de l’« anti-design » de Joe Colombo dans les années 1960 au « contre-design » d’Ettore Sottsass Jr. qui s’oppose au rationalisme pour inscrire le design dans une expérience émotionnelle. Théoricien et designer, Andrea Branzi réclame lui aussi un « design émotionnel », qui prenne appui sur notre expérience perceptive et émotive, un retour animiste à la dimension symbolique et archétypale des objets, qui renvoie à l’esprit d’utopie qui traverse le design italien.